Los elementos y principios del diseño

elementos y principios de diseño

El diseño es una actividad intrincada y complicada, pero a su vez divertida y emocionante.

Siempre hay mucho que aprender, mucho que hacer, y mucho que considerar cuando aún eres un principiante – sin mencionar el hecho de que la tecnología se encuentra en constante evolución, día tras día se publican nuevos softwares, y surgen nuevas modas y te golpean en la cara como una ráfaga de viento. A decir verdad, todo esto puede resultar ser un poco abrumador.

Entonces, por qué no vamos más lento. Este artículo te llevará a través de los 20 principios del diseño que esperamos te den una ventaja en este ambiente creativo. Así que, mantente atento, ponte cómodo, y discutamos algunos de los principios.

01. Línea

Estoy más que segura que todos sabemos qué son las líneas, pero sólo para estar seguros, las líneas pueden definirse como marcas lineales. Entonces, si piensas en ello, las líneas forman prácticamente todo. Incluso las palabras y letras que estás leyendo en este mismo instante están compuestas de miles de líneas curvadas, en ángulo y rectas.

Además, las líneas también pueden canalizar ciertas ideas. Las líneas rectas pueden evocar orden y claridad, las líneas onduladas pueden crear movimiento, y las líneas en zigzag pueden implicar tensión o emoción.

Una técnica que se aplica muy a menudo en la fotografía es el uso de ‘líneas guías’, las cuales hacen lo que su nombre sugiere – guían al ojo. Encontrar y enfatizar las líneas guías fuertes en tu obra puede permitirte dirigir al ojo a través de la obra completa o hacia ciertos puntos principales.

Démosle un vistazo a un ejemplo de líneas guía en el diseño web. Esta página web tiene una cuadrícula diagonal genial con líneas guía muy fuertes que te llevan hacia la parte inferior de la página, de sección a sección, en una rápida forma en zigzag.

Diseño de Sitio Web PRA

Un fuerte uso de la línea es una excelente forma para estilizar tus ilustraciones. Échale un vistazo a estas ilustraciones de marco de alambre por Ksenia Stavrøva para la marca de ropa SNDCT. Al usar simples líneas blancas para realizar cada ilustración, al diseño en su totalidad se le da cohesividad y un estilo reconocible. Considera enfatizar tu uso de líneas en las ilustraciones para crear un efecto interesante.

Pósters para SNDCT por Ksenia Stavrøva

Pósters para SNDCT por Ksenia Stavrøva

¡Las líneas son elementos gráficos versátiles, simples y efectivos que sin lugar a dudas no deberías subestimar! ¡Por qué no experimentas con ellas el día de hoy, y ves las increíbles cosas que pueden añadirle a tu diseño!

02. Escala

La escala es una parte importante del diseño, a veces puede ser literalmente. En una definición muy básica, la escala es el tamaño deliberado de elementos individuales.

La escala puede ayudarnos a darles sentido a los diseños e imágenes. Trata de imaginarte dibujando un ratón al lado de un elefante, es más que probable que dibujes al ratón mucho más pequeño que el elefante, lo que ayudaría a los observadores a entender tu dibujo de inmediato.

De esta manera, la escala nos ayuda a darle sentido a las cosas. No obstante, la escala no siempre tiene porqué basarse en el realismo. Puedes darles a tus elementos un tamaño considerablemente grande o pequeño para crear efectos impresionantes y para indicar qué partes de tu diseño son más y menos importantes.

Por ejemplo, mira este póster por Gabz Grzegorz Domaradzki para la película Drive. En este póster, se aumentó dramáticamente la escala del personaje principal, haciendo que llame la atención primero, y lo demás rostros después.

Aunque esta escala técnicamente no está basada en el realismo ya que los rostros de las personas normalmente tienen el mismo tamaño en la vida real (y la última vez que revisé Ryan Gosling no era ningún gigante), el drástico aumento y reducción en las escalas de los rostros ayudan a los observadores a tener una rápida idea del nivel de importancia de cada personaje de la película, al igual que crea un diseño efectivo.

Con frecuencia a este escalamiento de los elementos para señalar la importancia se le llama ‘jerarquía’, lo cual discutiremos más adelante, ¡no temas! Pero, por el momento, observemos un ejemplo que utiliza la escala para señalar la importancia.

Este diseño de publicación por The Consult aumenta la escala de ciertas estadísticas, información y números para lograr que la atención se dirija hacia esas partes de información por encima de las demás.

Información sobre el Mercado Laboral por The Consult

03. Color

En serio, sé que en verdad no necesito sermonear sobre lo importante que es para los diseños, pero lo haré de todas formas. El color es primordial. El color crea humores específicos, atmósferas, canaliza emociones y cada tono tiene ciertas connotaciones específicas asociadas con el mismo. En pocas palabras, el color puede crear o destruir tu diseño.

Observemos dos ejemplos de presentación de marca. Primero, tenemos un diseño por Smack Bang Designs para el servicio de rejuvenecimiento de la piel para mujeres ‘Lite Luxe’. Este diseño optó por colores pastel, ligeros y suaves. Blancos, grises claros, tonos de rubor suave y papel aluminio cobrizo/dorado, estos colores elegidos se complementan entre sí gentilmente para crear un diseño apacible, elegante y femenino.

Lite Luxe por Smack Bang Designs

Por otro lado, tenemos esta presentación de marca para un jugo marca Frooti por Sagmeister & Walsh. A diferencia del ejemplo anterior cuya paleta se complementaba así misma gentilmente, esta marca ha escogido una paleta de colores que contrasta fuertemente, creando un diseño mucho más vibrante, enérgico y alegre.

Frooti Rebrand por Sagmeister & Walsh

El color no es un principio únicamente limitado a elementos de marca, el color va más allá y abarca todo, incluso fotografías. Los filtros y los ajustadores de imagen nos han concedido la capacidad ilimitada para ajustar los colores y tonos de nuestras fotografías.

¿Diseñas un póster elegante y sofisticado? Por qué no usar un filtro monocromático nítido inspirado en el cine negro en tu imagen, como el filtro ‘Street’ de Canva. ¿O quizás buscas una apariencia más extravagante? Considera reducir el contraste en tus imágenes ligeramente para atenuar los colores de tus imágenes un poco y hacerlas más suaves y apacibles.

04. Repetición

Piensa en cualquier nombre comercial importante, Coca-Cola, Google, Apple, Nike, estoy segura que puedes imaginar sus logos, su tono de voz general y sus combinaciones generales de colores usadas. ¿Qué es lo que hace que podamos recordar estas cosas en un santiamén? Sí, adivinaste – la repetición.

La repetición es un elemento crucial cuando se trata del diseño de marca, tanto para asegurarse que tu marca sea consistente como para vincular tus artículos entre sí.

Echémosle un vistazo al ejemplo de marca por Michelle Wang. Como podrás notarlo, esta identidad utiliza una paleta de colores consistente y una aplicación consistente del logo, hasta el espaciado de margen es consistente.

La repetición es un elemento clave cuando se trata de marcas, pero también puede crear hermosos diseños únicos. Por ejemplo, la repetición es un ingrediente clave cuando se trata de crear patrones y texturas.

Mira este diseño de empaque por Nastya Chamkina que utiliza la repetición para crear un patrón hermoso. Los patrones no tienen por qué ser aburridos y florales como unas viejas cortinas, pueden ser divertidos y efectivos. Así que, ¿por qué no implementar patrones repetitivos en tu siguiente diseño?

Teatul por Nastya Chamkina

¿Deseas inspirarte más como la hermosa marca basada en patrón que se encuentra debajo? ¡Procura darte una vuelta por este artículo de 50 bellísimos diseños de patrones geométricos en diseño gráfico!

Xoclad por Anagrama

05. Espacio Negativo

Por decirlo claramente, el espacio negativo es el ‘espacio intermedio’, el área entre o alrededor de otros elementos que forma su propio espacio.

M.C. Escher es considerado como el rey y el forjador del camino del espacio negativo, cuyo trabajo estoy segura que has visto y quedado perplejo ante él. Escher hizo un gran número de teselados que se enfocaban en una forma que llevaba a la siguiente mediante el espacio negativo y positivo, como esta impresión de xilografía “Sky & Water I”.

Sky and Water I por MC Escher

¿Notas cómo Escher usó el espacio entre las aves para crear la forma de los pesces? Esto es espacio negativo en funcionamiento – considerar todo alrededor y entre tu diseño físico, y manipular ese espacio para crear algo nuevo.

Cuando el espacio negativo se usa de manera estratégica e inteligente puede ayudar a crear diseños sorprendentes e ingeniosos. Échale un vistazo a estos sencillos iconos de animales por el diseñador George Bokhua que utiliza formas simples y limpias para representar imágenes claras de cada animal.

Animal Graphics por George Bokhua

06. Simetría

Como especie, se ha probado científicamente que los seres humanos son creados simétricamente. Por lo general, encontramos los rostros, patrones y diseños simétricos más atractivos, efectivos y hermosos.

La simetría se usa mucho en los logos para crear un diseño armonioso y equilibrado. Algunos ejemplos de grandes marcas con logos simétricos son Target, McDonald’s, Chanel, Startbucks, etc.

Claro, la simetría no siempre es una opción para todos los diseños, y no debería de serlo. Existe una delgada línea entre un diseño de apariencia equilibrada y simétrica, y uno en el que se vea que uno de los lados se copió, se invirtió y se pegó a la izquierda. Entonces, en vez de intentar lograr una simetría perfecta, por qué no probar introduciendo sutiles elementos de simetría a tu diseño.

Por ejemplo, esta invitación de boda utiliza un alto grado de simetría, pero si prestas atención, notarás que no es un reflejo exacto. En cambio, el diseñador ha elegido ajustar las ilustraciones para que combinen con la letra y el mensaje de una manera tan sutil que mantiene el diseño simétricamente equilibrado y ordenado, pero no evidentemente reflejado, creando un diseño delicado, romántico y equilibrado.

Invitación de boda de Jarrid & Laura por Nate Koehler

La simetría no siempre resulta ser tan obvia, a veces es muy sutil, y puede que a veces ni siquiera la notes. Un magnífico ejemplo de simetría invisible puede encontrarse en el diseño editorial, y siendo mucho más específicos en los cuadros de texto. Tan sólo abre cualquier revista que tengas tirada por ahí y es muy posible que en los artículos más largos te des cuenta que el cuerpo de texto ha sido separado en columnas de texto, y estas columnas a menudo son de tamaño simétrico para garantizar que todo sea legible, ordenado, al igual que atractivo visualmente.

Mira este diseño de página de informe anual por Brighten the Corners y Anish Kapoor que hace que la atención se centre en la simetría de las columnas de texto al reflejarlas en ambos lados de las páginas.

Informe Anual de Zumtobel y Brighten the Corners y Anish Kapoor

Al utilizar un poco de simetría en tu diseño, puedes crear un sentido de equilibrio y orden. Así que, la próxima vez que diseñes un diseño de publicación, o un diseño con muchas letras, presta atención a qué tanta (o qué tan poca) simetría estás usando. Si tu diseño no se ve bien, juega un poco con tu simetría, ya sea aumentándola o disminuyéndola.

07. Transparencia

A veces también conocida como ‘opacidad’, la transparencia se refiere a cuán ‘transparente’ es un elemento. Entre menor sea tu opacidad, más ligero y menos notable será tu elemento, y entre mayor sea, más sólido será.

Démosle un vistazo a un ejemplo que usa transparencia. Este sorprendente ejemplo por Jack Crossing pone capas de diversas formas de colores diferentes, tamaños y opacidades para crear un gráfico verdaderamente hermoso. De esta manera, ajustar y jugar con la transparencia y los efectos de transparencia puede darte la libertad de enfatizar tus capas y formas en una forma única y sorprendente.

Póster Promocional_DME 2008 por Jack Crossing

La transparencia también es una estupenda técnica para generar una sensación de movimiento en imágenes estáticas. Por ejemplo, mira este póster por Filippo Baraccani, Mikko Gärtner y Lorenz Potthast que superpone muchas imágenes con diferentes niveles de transparencia para crear un efecto fascinante y una sensación de movimiento.

Universidad de Artes de Bremen por Filippo Baraccani, Mikko Gärtner y Lorenz Potthast

La transparencia tampoco se limita únicamente a los gráficos digitales. Échale un vistazo a la forma en que esta tarjeta de invitación para el Museo del Vidrio de Nueva York ha sido adecuadamente impresa sobre vidrio transparente, dándole al diseño un efecto único e interesante. Considera los medios en los que se imprimirá tu diseño, qué opacidad y acabado puede tener/tendrán, y no tengas miedo de ser creativo con ellos.

08. Textura

Los diseños gráficos limpios, nítidos y elegantes pueden ser maravillosos, pero a veces, ser un poco brusco con algo de textura puede ser incluso mejor. La textura puede añadir tacto, profundidad y puede darle unos cuantos efectos interesantes a tu diseño.

Sin embargo, al igual que con muchas cosas, asegúrate de usar esta técnica con moderación, debido a que mucha textura podría sobrecargar rápidamente tu diseño. Recuerda: existe una delgada línea entre lo chic desgastado y lo completamente desgastado y viejo.

¿Ves cuántas texturas pueden crear un efecto turbio? Entre más texturas se apliquen, más difícil será ver la letra y otros elementos sin ningún efecto de trazo alrededor de cada letra.

Por supuesto, si lo que buscas es una apariencia turbia estilísticamente, entonces poner las texturas en capas podría sentarte bien, pero si buscas una forma de incorporar textura de manera menos impositiva, mantente atento.

Démosle un vistazo a un ejemplo que usa textura en una forma que mejora la obra. Este hermoso diseño tipográfico por Dan Cassaro crea un efecto inspirado en lo clásico usando textura. Nota que el uso de la textura áspera no distrae sino que mejora bien la obra como un todo, dándole una sensación más artesanal y auténticamente vintage.

Ever Upward por Dan Cassaro

Observa este diseño de tarjeta de presentación por Inkdot para Foremost Wine Company que lleva el texturizado a un nivel completamente nuevo al repujar la textura inspirada en la topografía directamente en la tarjeta de presentación. Al considerar la textura y cómo se siente tu diseño de forma literal y tangible, puedes crear una obra memorable para tu diseño que sin lugar a dudas sobresaldrá del resto.

09. Equilibrio

El equilibrio es algo muy importante en gran parte de la vida, y es igual de importante en el mundo del diseño.

Una forma de dominar el equilibrio es pensar que cada uno de tus elementos tiene un ‘peso’ consigo. Desde cuadros de texto, imágenes hasta bloques de color, considera cada uno de sus tamaños, formas, y qué ‘peso’ tienen en relación a los otros elementos en la página

Una buena técnica es imaginarte tu diseño impreso en un modelo 3D. ¿Podría mantenerse de pie, o se inclinaría hacia un lado?

Échale un vistazo a este logotipo de gato por George Bokhua que está increíblemente equilibrado. Si estuviese impreso, es bastante probable que se mantuviese en pie.

Gato de Líneas por George Bokhua

Un tipo de equilibro es el ‘equilibrio asimétrico’, que trata menos sobre reflejar a la izquierda y derecha/arriba y abajo, y más sobre la distribución, tamaño y alineación de los elementos para que sus ‘pesos’ sean iguales. Veamos un ejemplo.

Esta brillante obra usa escala y una distribución ingeniosa de los elementos para crear un diseño equilibrado. Nota cómo esta obra logra el equilibrio de la izquierda a la derecha y de arriba a abajo mediante el tamaño de los elementos. Al equilibrar el grupo de imágenes con el grupo de letras.

¿Cuál es tu personalidad de diseño gráfico?

10. Jerarquía

La jerarquía en el diseño es muy parecida a como lo es en la cultura, ambas tienen como base ideas bastante similares. En la cima de la escala jerárquica, tenemos lo más importante, los reyes. Estos elementos serán ‘vestidos’ de la manera más extravagante y recibirán la mayor atención.

Mira estos ejemplos de la Revista A2 que muestran tres maneras diferentes de indicar la importancia de tu título/encabezado, desde los ejemplos más sutiles hasta los más grandes y llamativos. No importa cuál sea el camino que decidas tomar, asegúrate de que los consumidores puedan señalar rápidamente cuál es el título sin pensar.

Edición 1 de la Revista A2

En el siguiente estrato de la jerarquía tenemos a los nobles, elementos que siguen siendo importantes, pero que no reciben tanta atención como los reyes. Estas son cosas como los subtítulos, extractos, información adicional. Asegúrate de mantenerlos llamativos y notorios, pero no tan notorios como tus encabezados.

Échale un vistazo a esta tarjeta de ‘aparta la fecha’ por Southern Fried Paper. Nota la manera en que la fecha (una parte muy importante de un tarjeta de ‘aparta la fecha’) se hizo más grande, robusta y más notoria que las letras que se encuentran debajo de ella. Y aun así no logra opacar al bastante obvio título de “Audrey and Grant”.

Audrey y Grant por Southern Fried Paper

Y en el último peldaño de la escala jerárquica se encuentran los campesinos, los elementos humildes de tu diseño a los que se les da la menor cantidad de encanto visual, por lo general cosas como el cuerpo de texto, información menos importante, enlaces, etc.

Ve este póster para The Night Market por Mary Galloway. Puedes señalar fácilmente el título, el subtítulo/fecha y luego en el fondo, la letra más pequeña de información adicional que no es tan crucial para la comunicación.

The Night Market por Mary Galloway

Claro, la jerarquía no sólo se limita a la letra. Las imágenes también tienen jerarquía, recuerda un poco a cuando hablamos sobre la escala. Los elementos más grandes, coloridos, o más centrales de tu imagen tendrán una jerarquía más alta que los elementos más pequeños, apagados y menos detallados.

11. Contraste

El contraste con frecuencia es el ingrediente mágico clave para hacer que tus diseños sobresalgan, lo cual es una demanda (a veces frustrante) de muchos clientes de diseño.

En una definición muy básica, el contraste es el grado de diferencia entre dos elementos de tu diseño.

El contraste también tiene un gran efecto en la inteligibilidad y legibilidad, es una de las principales razones por la que las novelas y muchas otras publicaciones se imprimen con texto negro sobre un fondo blanco. Imagina qué pasaría si el texto se imprimiera en usando un gris claro con un fondo blanco. El contraste sería tan poco que la letra sería difícil de leer. Así que, si estás usando letras, asegúrate incrementar ese contraste.

Por ejemplo, mira este póster por Jonathan Correira y la forma en que procura que exista el contraste adecuado entre la letra y la imagen. Debido a que esta imagen está partida a la mitad, uno de los lados es predominantemente verde y el otro verde oscuro, el color de la letra ha sido ajustado debidamente para garantizar que ambos lados sean legibles.

Imagina si “New York” estuviese del mismo color que “Bike Expo”, el contraste se vería reducido inmensamente y sería mucho más difícil de leer.

Bike Expo New York por Jonathan Correira

Otro estupendo ejemplo de un diseño de alto contraste es esta obra por Robbie Cobb que no sólo contrasta oscuro y claro, sino que también grueso con delgado para crear un diseño sorprendente e interesante.

One por Robbie Cobb

El contraste no sólo es un elemento estilístico o un optimizador de legibilidad, también actúa para guiar al ojo hacia ciertos elementos de tu diseño. Esta técnica se usa mucho en el diseño web, démosle un vistazo a la página de inicio de Audible.

Audible

Observa la manera en que el diseño de esta página de inicio ha oscurecido y atenuado la imagen para permitir que el cuadro rojo brillante contraste fuertemente con el fondo. Este contraste deliberado ayuda a dirigir inmediatamente la atención al botón de acción principal (que lleva al usuario directamente a una página de registro).

Entonces, usa el contraste para hacer que tus diseños sobresalgan visualmente, y para dirigir la atención hacia ciertos elementos de tu diseño.

12. Enmarcado

Al igual que lo haces con tus fotografías y obras de arte, enmarcar tus diseños correctamente es un aspecto de importancia. Normalmente tendemos pensar en el enmarcado en términos de fotografía – lo que incluyes, lo que no, etc. Pero, enmarcar es igual de importante en el diseño.

Los marcos físicos como contornos de cuadro o elementos gráficos pueden mejorar o dirigir la atención a elementos específicos de tu diseño.

Por ejemplo, veamos este diseño de menú por Trevor Finnegan que elige enmarcar uno de los especiales al igual que la declaración de misión del negocio para dirigir la atención a estos dos elementos que de no haberse hecho pudiesen haber pasado desapercibidos. Una manera simple de resaltar ciertos elementos de tu diseño que puede tener un gran impacto.

Joe’s Coffee por Trevor Finnegan

Los marcos tampoco tienen porqué ser gráficos. Si estás trabajando con elementos fotográficos, ¿por qué no consideras usarlos para enmarcar tus diseños? Mira este póster que usa objetos al azar para crear un marco para la letra superpuesta. De este modo, diriges la atención hacia la obra por el marco, y puedes guiar al ojo hacia las partes realmente importantes.

Diseño de Póster por MyDesy

13. Cuadrícula

Imagina una cuadrícula de diseño como si fuese las bases para una casa – es un primer paso importante para permitirte crear un producto final funcional y hermoso. Le señala al constructor/diseñador dónde deberían colocarse ciertos elementos, qué se debería alinear con qué, y proporciona un bosquejo general para la construcción.

Las cuadrículas son importantes, y por lo general son elementos invisibles en prácticamente en cualquier diseño. Éstas se conforman de un cierto número de filas y columnas en las que puedes alinear tus elementos. Las cuadrículas pueden ayudar a mantener tú contenido en orden, limpio, legible y con una buena apariencia.

Veamos algunos ejemplos de diferentes sistemas de cuadrícula.

Cuadrícula de Cinco Columnas por Magazine Designing

Este ejemplo por Nikola de Magazine Designing muestra una cuadrícula de cinco columnas en acción. Observa cómo algunos elementos están contenidos en una columna, mientras que otros se extienden en dos, a veces tres columnas, y aun así el diseño como un todo parece ordenado, limpio y bien alineado.

Cuadrícula de Doce Columnas por Magazine Designing

De nuevo por parte de Nikola de Magazine Designing, esta imagen muestra como una cuadrícula de doce columnas puede darte mucha flexibilidad cuando se trata de la alineación de tus elementos. Una vez más, nota cómo algunos elementos abarcan muchas columnas, mientras que otros ocupan sólo dos. No pienses en tu cuadrícula como líneas que tienes que colorear, sino un conjunto de sencillas líneas guía usadas para ayudarte a crear un diseño impresionante.

Así que, busca una cuadrícula que sea adecuada para ti y tu diseño y empieza desde ahí.

Ya que hemos establecido qué es una cuadrícula, cómo se ve y cómo funciona, veamos algunos ejemplos del mundo real de cuadrículas en acción. Échale un vistazo al ejemplo que se muestra debajo por Matt Willey e intenta averiguar cuántas columnas usó en esta cuadrícula de diseño.

YouCanNowMagazine por Matt Willey

¿Unas tres? ¿O quizás son seis? Como sea, este ejemplo tiene un sistema de cuadrícula claro e identificable en el que se alineó cada elemento, dando origen a un diseño impresionante, limpio y atractivo.

¡Las cuadrículas son flexibles, adaptables y enormemente útiles, así que considera usar una para tu siguiente diseño y mira lo que pueden hacer por ti!

14. Aleatoriedad

Ahora este momento hemos estado hablando sobre alineación y orden. Sin embargo, ¿qué hay respecto a los diseños más orgánicos, irregulares y aleatorios? La aleatoriedad juega un papel muy importante en el diseño, pero es una clase específica de aleatoriedad. Llamémosla ‘aleatoriedad de diseño’.

La diferencia entre la ‘aleatoriedad de diseño’ y otras formas de aleatoriedad es el propósito y la ejecución. En el caso del diseño, tu objetivo principal debería ser la comunicación – ¿qué necesita decirles esta obra a los consumidores? ¿Lo expresa de manera clara? ¿Cómo puedo crear una comunicación más fuerte?

Por ejemplo, démosle un vistazo a un diseño que usa la letra de manera tal que podría considerarse fácilmente como ‘aleatoria’ pero que tiene propósito e intención. Este póster por Heath Killen usa principalmente letras garabateadas hechas a mano, y donde utiliza tipografías, las letras y palabras se observan distribuidas y espaciadas de manera esporádica e irregular.

Para Película (14/18) por Heath Killen

Esta obra sobrepone la letra a mano y la coloca en una forma tan aleatoria que algunos dirían que dificulta la legibilidad. Sin embargo, esto se hizo con un propósito en mente – la intención siendo representar una psiquis retorcida y pervertida.

Esta es la diferencia entre ‘aleatoriedad’ y ‘aleatoriedad de diseño’. Si se aplicara este diseño a un póster para una película infantil sobre alegres animales parlanchines, esto se vería aleatorios, y no comunicaría nada en lo absoluto. Pero, en este caso, el diseño aleatorio comunica el tema de la película a la perfección.

También dale un vistazo a este diseño por Laura Berglund que utiliza un grado de aleatoriedad para crear un efecto de apariencia orgánica tipo collage. Aunque esta pieza se puso sobre una página e inmediatamente se vio moderadamente áspera y desarreglada, mírala bien y notará cuántas normas de diseño usa en verdad.

Seed por Laura Berglund

Observa la manera en que cada elemento realmente se colocó estratégicamente, se han implementado líneas guía para dirigir al ojo por la pieza, ha habido un equilibrio selectivo entre color plano, textura y fotografía.

Mira este diseño por Juan Camilo Corredor. Este diseño optó por representar la aleatoriedad, con formas, texturas e ilustraciones extrañas, todo recortado inusualmente y organizado en formas interesantes.

Indicadores por Juan Camilo Corredor

Este diseño parece aleatorio, pero si diseccionas sus elementos, notarás que ciertas partes del diseño han sido alineadas (la forma azul que se encuentra en la parte inferior izquierda se alinea con la forma verde puntiaguda a su lado, etc.), el diseño ayuda al ojo desplazarse por la página, e incluso hay algunas pista de la existencia de una cuadrícula en acción.

El punto es que las cosas no tienen por qué ser limpias y ordenadas para ser clasificadas como un diseño. Representar la ‘aleatoriedad’ y jugar con unos cuantos diseños vanguardistas puede ser efectivo y sumamente divertido.

Sigue el ejemplo de Juan Camilo y cambia el tamaño de los elementos en formas inusuales, mete la cola de una ‘a’, recorta la cabeza de un pollo, pero trata de hacerlo tomando en cuenta las normas de diseño y tu propósito general.

15. Dirección

Un aspecto muy importante de muchos diseños es cómo se desplaza el ojo por la página, y la dirección que toma – a veces también se le denomina ‘flujo’. ¿Cómo se desplaza tu ojo por la página? ¿Tus lectores saben exactamente hacia dónde mirar después? ¿La dirección que toma el ojo es lógica?

Algunos estudios han diseccionado la naturaleza exacta de los hábitos de movimiento de nuestro ojo y los patrones que siguen nuestros ojos cuando ven cosas específicas. Dale un vistazo a este estudio de seguimiento del ojo por Nielsen Norman Group que rastreó los ojos de las personas cuando miran páginas web para observar su patrón de consumo. Mira los resultados del mapa de calor debajo.

Patrón en Forma de F para Lectura de Contenido Web por Nielsen Norman Group

Los estudios demostraron que un patrón común que toma el ojo es una forma de “E” o “F” cuando se trata de página web, así que colocar tu contenido principal a la izquierda de tu página, o en la parte superior es tu mejor opción. Otro patrón común que el ojo sigue es una forma de “Z”, como se muestra a continuación.

Diagrama en Z por Tuts+

En conjunto, la idea general es que el ojo viaja naturalmente desde la esquina superior izquierda hasta la esquina inferior derecha, en un movimiento de ‘barrido’. Esta teoría se explica mejor con mayor detalle por el Diagrama de Gutenberg, y puedes leerlo e ir directo al meollo del asunto aquí.

En lugar de diseñar al 100% siguiendo estos patrones, intenta adaptar el flujo y dirección de tus diseños en una base de caso por caso. Sólo toma en cuenta que el ojo gravita hacia la parte superior izquierda y se desplaza hacia abajo a partir de ahí.

Veamos un ejemplo que tenga un uso distintivo y efectivo de la dirección.

Este diseño por Atelier Martino&Jaña dirige el ojo en una forma muy fluida y orgánica, al zigzaguear el texto por las curvas y formas de la imagen. Lo primero que nos llama la atención es el título y la fecha (gracias a un poco de jerarquía) y luego nuestros ojos son libres de desplazarse por la pieza mientras leemos la información y asimilamos la fotografía.

Guimarães JAZZ 2009 por Atelier Martino&Jaña

Entonces, resumiendo, el flujo y dirección de esta pieza exhorta a los lectores a leer e ingerir la letra mientras que al mismo tiempo asimilan la imagen.

16. Reglas

Este es un punto que ciertamente produce mucho debate y divide cualquier sala de diseñadores – la mitad proclamando que no existen las reglas en el diseño, y la otra protestando que existen muchas reglas. Técnicamente, ambas partes están en lo correcto.

Como ocurre con cualquier habilidad, hay cosas que debes aprender, y esto va de la mano de las reglas generales. Cosas como: asegurarte de que tu letra sea legible, aprender a aplicar interletraje/kerning, no usar imágenes pixeladas, etc. Estas son las bases del diseño, cosas que te ayudan a crear un diseño básico.

Sin embargo, como muchos argumentan, una vez que hayas aprendido estas reglas, definitivamente es momento de romperlas.

Veamos un ejemplo que rompe las reglas a lo grande intencionalmente. Este póster por Shahir Zag rompe a propósito algunas de las reglas tipográficas fundamentales para hacer una broma (muy cierta).

How to Piss Off Your Designer Friends por Shahir Zag

Otro ejemplo de alguien que rompe las reglas que con certeza te toparás durante tus aventuras de diseño es David Carson. Carson fue diseñador grunge vanguardista para publicaciones como Ray Gun Magazine donde creó diseños impresionantes, dinámicos y que jugaban con las reglas, los cuales todavía continúan siendo admirados.

Una de las preciadas anécdotas sobre Carson es su diseño para una entrevista con el músico Bryan Ferry. Después de haber leído el contenido y decidido que la entrevista era muy aburrida, Carson eligió hacer toda la entrevista en Zapf Dingbats (una fuente basada en símbolos, como la Wingdings) volviéndola completamente ilegible. Mira el artículo debajo

Artículo para Ray Gun de 1994 por David Carson

El espíritu básico de Carson cuando se trataba del diseño era ‘no confundan la legibilidad con la comunicación’.

Muchas veces Carson y otros diseñadores que rompen las reglas prefieren comunicarte ideas diferentes al romper las reglas. El póster ‘migraine’ (migraña en español) por Shahir Zag que discutimos anteriormente rompe las reglas para hacer una broma, y el artículo de Carson rompe las reglas para transmitir algo sobre la entrevista.

Entonces, aunque la legibilidad se vea un poco comprometida, definitivamente la comunicación no.

Hay lugar en el mundo del diseño tanto para quienes siguen las reglas como para quienes las rompen. No sigas todo al pie de la letra y aprende tanto como te sea posible para que puedas romper y torcer las reglas en la forma correcta y lograr algo inolvidable.

17. Movimiento

¿Alguna vez escuchaste o viste que alguien describiera una pintura u obra de arte diciendo que tenía “mucho movimiento”? Puede que la primera vez hayas quedado algo confundido por esa explicación – después de todo, ¿cómo es posible que una pintura estática se mueva? Sin embargo, el movimiento es una parte importante de las artes visuales, incluyendo el diseño gráfico.

Anteriormente hablamos sobre la dirección y el flujo de tu diseño, estos factores juegan un papel importante en el movimiento de tu diseño. Si tu pieza final tiene un buen flujo de arriba a abajo, izquierda a derecha, esquina A a esquina B, etc., tu pieza se “moverá” con suavidad.

Pero, ¿qué ocurre con los casos en donde deseas darle a un elemento un sentido literal de movimiento? Quizás tienes una pelota que quieres mostrar en movimiento, o un coche que deseas que parezca desplazarse por una carretera. Existen muchas maneras en que puedes plasmar esta clase de movimiento, así que veamos unos cuantos ejemplos.

Primero, tenemos la transparencia. Abordamos brevemente cómo la transparencia/opacidad puede generar movimiento para tus diseños con anterioridad pero profundicemos un poco más.

Este ejemplo por Vladimir Mirzoyan sobrepone formas geométricas nítidas de opacidades distintas unas encima de otras para reproducir las alas del colibrí en movimiento. El sencillo efecto de superponer estos elementos crea una sensación limpia, ingeniosa y sofisticada de movimiento.

Colibrí por Vladimir Mirzoyan

De igual manera, observa este diseño de póster propuesto por Alan Clarke para las Olimpíadas de 2012. Al superponer formas de opacidades variantes, este póster crea un fuerte sentido de velocidad y movimiento.

Cycling por Alan Clarke

El movimiento también puede lograrse mediante un efecto borroso. Échale un vistazo a este ejemplo que aplica efectos borrosos de movimiento a un elemento de diseño normalmente estático – una letra.

Este ejemplo, una cubierta de libro por los diseñadores alemanes Anzinger, Wüschner, Rasp, aplica una borrosidad interesante a los bordes y esquinas de la letra para crear una ilusión de movimiento.

‘F: Una Novela por Daniel Kehlmann – Diseño de Cubierta por Anzinger, Wüschner, Rasp

Por último, las líneas de movimiento también puede capturar el movimiento. Es común encontrarlas en cómics e ilustraciones, cuando un personaje está corriendo, o moviéndose rápidamente. Así que, saca al ilustrador de cómics que llevas dentro y aprovecha al máximo las líneas de movimiento. Veamos un ejemplo.

Este ejemplo por Matt Chase utiliza líneas de movimiento de manera sutil en ‘future’ para representar el movimiento. Una manera sutil pero efectiva de darle al diseño un borde dinámico e indicar movimiento.

Nothing Past, Nothing Future por Matt Chase

18. Profundidad

La profundidad es un principio importante y emocionante en el mundo del diseño. Incluso con los medios más planos, puedes crear una sensación de profundidad, y una ilusión de que tu diseño va más allá de las dos dimensiones.

Entonces, ¿cómo creamos una ilusión de profundidad en nuestros diseños? Hay muchas técnicas que puedes usar para comunicar profundidad en tu diseño, repasemos unas cuantas.

Primero, tenemos la que probablemente sea la técnica más comúnmente conocida – las sombras. Bien, las sombras puedes ser engañosas, no siempre tienen una forma lineal, en ocasiones se estiran, doblan, distorsionan e inclinan. Así que, una buena técnica cuando explores el uso de las sobras es observar las sombras en el mundo real, observa la manera en que la luz golpea diversos objetos en puntos distintos e intenta reproducir lo que observaste.

Veamos un ejemplo que muestra un uso efectivo de las sombras para crear profundidad. Este póster para una feria del libro por Dominique Schmitz usa muchas sombras en un gran número de formas diferentes y complejas, pero realistas. Observa cómo cada sombra se presenta de forma diferente y apropiada para cada elemento. ¡El realismo toma el control pero con frecuencia la recompensa hace que valga la pena!

Design Book Fair por Dominique Schmitz

Otra técnica es la superposición de ciertos elementos. Esto reduce la apariencia plana, y hace que las cosas parezcan más superpuestas y en diferentes niveles y estratos. Mira este diseño por Fabian De Lange que superpone elementos ilustrativos, letras y elementos gráficos (el borde blanco) para crear una apariencia superpuesta con mucha profundidad.

Mumbai por Fabian De Lange

Otra técnica involucra jugar con la perspectiva, la cual por lo general les da a los elementos un “efecto 3D”. Al ajustar la perspectiva de ciertos elementos, puedes crear la ilusión de que brotan de la página, lo que crea profundidad al instante. Veamos un ejemplo.

Este póster inspirado en la electrónica por Neil Stevens inclina cada letra un poco hacia la derecha y les da una forma distintiva y profundidad. Esta manera simple de ilustrar, sombrear y ajustar la perspectiva de cada elemento ayuda a crear un diseño dinámico e interesante.

Electronica por Neil Stevens

Claro, en el otro extremo del espectro se encuentra reducir la cantidad de profundidad en tu diseño. Este es un estilo popular reciente, a menudo denominado como ‘diseño plano’.

Un usuario bastante conocido de la técnica de diseño plano es Apple. En septiembre de 2013 Apple lazó un nuevo sistema operativo que vino acompañado de una conmoción por un diseño completamente nuevo que eliminó todos los efectos de bisel y las sombras que creaban la apariencia de profundidad y los remplazó con iconos de aplicación más planos, pantallas, etc.

19. Tipografía

La letra dice mucho (a veces literalmente) y la manera en que elijas usar tu letra, ya sea para un encabezado o cuerpo de texto dice mucho más.

¡Para obtener un resumen exhaustivo sobre todo lo relacionado a tipografía y fuentes, asegúrate de echarle un vistazo a esta hoja de referencia repleta de consejos, trucos y enlaces que te ayudarán a dominar la palabra escrita!

Veamos un ejemplo de tipografía de exhibición. Para quienes no estén familiarizados, una letra de exhibición se refiere a los diseños tipográficos más sofisticados y estilísticos. Piensa en los títulos de póster de películas, encabezados de revistas, etc.

Observa estos diseños de páginas de revista por Benjamin Bours, cada uno de los cuales tienen sus títulos personalizados diseñados de manera compleja y efectiva. Esta tipografía llamativa y detallada es letra de exhibición en acción.

GQ Spreads por Benjamin Bours

Después, tenemos el cuerpo de texto. Ahora bien, habrá debate en el mundo del cuerpo de texto entre quienes prefieren las fuentes serif y quienes prefieren sans serif en términos de inteligibilidad y legibilidad.

¿Cuál es la respuesta correcta? A decir verdad, todo se resume a cuestión de preferencia y dependiendo de cada situación, pero generalmente hablando, una fuente serif es mejor para las cosas impresas, y una sans serif es mejor para la web. Déjame darte esta fantástica infografía por UrbanFonts para que te lo explique.

Serif vs. Sans por UrbanFonts

Una vez que hayas tomado una decisión entre serif o sans serif, luego sigue el paso detallado y a veces tardado paso de elegir tu letra.

Si deseas un resumen muchísimo más detallado sobre los fundamentos para dominar las letras, ¡asegúrate de echarle un vistazo a este artículo de 20 Errores tipográficos que cometen los principiantes!

Mira estos 20 errores tipográficos que cometen los principiantes

Sin embargo, por el momento, deja que te comparta unos cuantos sabios consejos:

  • Establece interletraje en tus títulos
  • Asegúrate de que tu cuerpo de texto no sea demasiado grande o pequeño para el medio en el cual estés imprimiendo
  • Intenta evitar usar demasiadas tipografías al mismo tiempo
  • La alineación a la izquierda es la manera más fácil de leer cuerpos de texto grandes
  • Si tienes dudas, imprímelo (a menudo puedes notar una composición tipográfica extraña más fácilmente cuando tienes la página en tus manos)

Cuando se trata de tipografía, otro obstáculo que debes superar es el arte de combinar tipografías. Puede que suene fácil, y a veces suele ser así, pero en algunas ocasiones también puede ser complicado. Veamos un ejemplo que combina bien las tipografías.

Este diseño de revista para 99U Magazine sólo usa unas cuantas tipografías diferentes pero logra combinarlas en toda una serie de formas diferentes. ¡Efectivo y distinguido! Dale un vistazo.

Edición No. 4 de la Revista Trimestral 99U

Si necesitas más consejos respecto a combinar tipografías, échale un vistazo a estos útiles consejos.

20. Composición

La composición es un bueno punto con el cual terminar ya que se trata de reunir todos los otros principios que hemos discutido.

La ‘composición’ se refiere a la organización general de los elementos en tu diseño, cosa que suena algo aburrida cuando se explica de esa forma, estoy consciente de ello, pero en realidad se trata de uno de los elementos más divertidos del diseño. Es aquí donde puedes jugar, experimentar y lograr que un buen diseño se vea estupendo.

Como se mencionó, la composición es básicamente donde todos los 19 elementos previamente discutidos se reúnen. Puedes usar la escala, la repetición, la tipografía, la línea, la aleatoriedad, etc., para crear diseños únicos, efectivos y apropiados.

Veamos algunos diseños que desmontan su composición. Primero, tenemos este boletín de email para J.Crew. Este diseño pone el enfoque en el “30” usando la escala y profundidad para resaltarlo. También dirige la atención hacia el título usando jerarquía y colocándolo en la parte central superior de la página, haciéndolo más grande que las otras letras y enmarcándolo.

J.Crew Factory Ad

Estos son sólo unas cuantas técnicas implementadas en este sencillo diseño. Nota cómo todas convergen en esta forma específica para crear un diseño fuerte, atractivo y efectivo.

A continuación se muestra otro ejemplo aleatorio – esta vez, un póster por Lab B Design Office. Este diseño usa técnicas y principios de diseño similares al ejemplo anterior, pero produce un resultado muy diferente. Esta pieza usa escala y profundidad variando la escala de los bloques de letras y posicionándolos alrededor y detrás de la fotografía para crear profundidad. También usa mucho la jerarquía, y enmarca la letra en cuadros y la imagen con la letra.

His Master’s Voice por Lab B Design Office

Por lo general, al usar combinaciones, técnicas y contenido diferentes eres capaz de crear una infinidad de diseños.

Piensa como si estuvieses aprendiendo el ‘do, re, mi’. Cuando entiendas a la perfección esa parte, podrás usar diferentes combinaciones de dichas notas para crear prácticamente cualquier canción que se te venga a la mente.

Dejando las metáforas de Sound Of Music (La Novicia Rebelde, por su traducción para Hispanoamérica), veamos rápidamente algunos consejos y trucos rápidos para dominar tu composición. A continuación se encuentran algunas cosas importantes a considerar cuando se trata de la composición:

  • ¿El diseño está equilibrado?
  • ¿El diseño tiene una jerarquía lógica?
  • ¿El ojo se desplaza por la página fácil y lógicamente?
  • ¿Mi comunicación principal es clara para las audiencias?

Conclusión

El diseño es una actividad complicada repleta de principios, trucos y técnicas, algunos de los cuales puedes aprender de otras personas, y algunos que tendrás que aprender por ti mismo.

Procura tomar toda ‘regla’ que leas con cierta reserva y aplícala donde sientas que sea apropiado, y olvídate de las reglas cuando sientas que no son necesarias. El diseño es un campo de constante evolución y cambio y cada situación es diferente, única y emocionante.

Sin embargo, para todos principiantes que se encuentran entre nosotros, tengan estos 20 principios en cuenta. Cuando desempeñes tus actividades cotidianas, toma nota de los pósters, menús y señales que veas, y trata de identificar qué principios usan y cómo los usan. Desarrolla un ‘ojo del diseño’ y mantén un registro mental (o físico) de maneras interesantes de usar estas técnicas y guardarlo para los días lluviosos.

Siendo más breve, diviértete con él. Juega y experimenta, pero hazlo con propósito y cuidado. ¡Buena suerte!

 

La mejor herramienta para crear diseños increíbles